Las Raíces Cortadas finalista de los Premios Réplica 2017

“Las Raíces cortadas” de Jerónimo López Mozo es finalista de los Premios Réplica de las Artes Escénicas 2017, que se celebrarán entre los días 13 y 18 de noviembre en el Auditorio Capitol de Tacoronte. Se han superado todas las expectativas de participación, ya que finalmente fueron 23 propuestas las que pasaron el primer corte de admisión.

Teatro La República cerrará el certamen el sábado día 18 de Noviembre, donde también se podrá ver los otras cinco compañías finalistas. Los días de actuación serán el día 13, Lacura, de la compañía Impulso; el día 14, Siempre Alice, de la mano de Drama Producciones; el día 15, La charca inútil, a cargo de Platónica Teatro; el día 16, Corredera, de Profetas de Mueble Bar y el día 17, El buen samaritano, con Morfema.

La clausura y entrega de galardones a las compañías tendrá lugar el domingo 19 de noviembre, donde se premiará: Mejor Espectáculo, Mejor Dirección, Mejor Intérprete Masculino, Mejor Intérprete Femenino, Mejor Autoría Original, Mejor Iluminación, Mejor Escenografía, Mejor Vestuario y Premio Especial del Público. También se hará entrega del Premio Réplica de Honor 2017 al Centro Internacional de Danza Tenerife.

Gracias por este reconocimiento, y mucha suerte a todos los participantes. Deseamos el público disfrute de seis maravillosos días de teatro.

 

 

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Hasta siempre Maestro Maluenda….

Nos ha dejado Luis Maluenda. Nos escribe el Maestro López Mozo para contarnos desde el abatimiento, la triste noticia. Maluenda y Mozo estaban ligados por un universo común, por una cosmovisión teatral que sólo puede ser entendida desde un plus de teatro combativo del que fueron testigos en primera línea.

Recientemente habíamos estrenado “Las Raíces Cortadas” de López Mozo, siempre con la mirada puesta en el montaje que Maluenda hizo con dos actrices espectaculares: Pepa Sarsa y Marisa Lahoz.

Maluenda fue el primero en dirigir este maravilloso texto, y nos cuenta López Mozo que recientemente habían quedado para verse y mostrarle las fotos de nuestra puesta en escena y comentarla. Tenía muchas ganas de ver nuestra propuesta, pero no ya podrá ser.

Luis Maluenda se licenció en la Escuela de Arte Dramático de Zaragoza, B.A. en Dirección en Drama Centre de Londres, e hizo postgrado en dirección en Institut für Schauspieler Regie de Berlín.
También fue profesor en la Escuela Superior de Arte Dramático de Torrelodones/Universidad de Kent, en el Laboratorio de Dirección de la Universidad Complutense de Madrid, en el Centro Andaluz de Teatro y en la Escuela de Arte Dramático de Zaragoza.

Dirigió más de veinte montajes profesionales, entre los que destacan “Antílopes” de Henning Mankell, “Victoria y Clara ” “Las Raíces Cortadas” y “el arquitecto y el relojero” de Jerónimo López Mozo, “ Suite ” de Carles Batlle, ” Zona Catastrófica ” de Ignacio del Moral, ” Orquesta ” de Carmen Resino, ” Los Trabajos y los Días ” de Michel Vinaver,  o ” Tomar partido ” de Ronald Harwood.

También fue actor. En la memoria quedan sus interpretaciones en obras como “Miau” de Benito Pérez Galdós, “La Tempestad”, “Ricardo III” de William Shakespeare, la última dirigida por Clifford Williams, así como en cincuenta y dos películas que incluyen coproducciones para cine y series para TV con directores como Richard Lester, Tony Richardson, Luigi Magni, Mario Camus….

Luis Maluenta también cubrió su faceta de autor, dramaturgista y guionista. Entre otras obras es autor de “El precio de los sueños”, “Layo” , “Franka Stein”, “Sforzando”, “Delirio” y con seudónimo, La Tetralogía Vasca (“Eusk”, “Zulo”, “Regreso” y “Pintxos”) dos de las obras fueron premiadas con el Premio Buero Vallejo. Guionista de seis proyectos de serie y de diez capítulos para TV. Autor de guiones cinematográficos todavía inéditos.
Traducciones del inglés y dramaturgia de numerosas obras teatrales.

Fundador de Producciones Off Madrid SL. Miembro entre otras asociaciones, de la Asociación de Directores de Escena, de la Asociación de Autores de Teatro, y del European Writers Congress/EWC.

Querido compañero, vaya en tu memoria nuestras “Raíces cortadas”. Que la tierra te sea leve, Maestro….

Ciudadano Yago en el Festival de la Antigua Mina

El pasado 13 de Julio tuvo lugar la esperada participación del espectáculo CIUDADANO YAGO en la novena edición del Festival de Teatro de la Antigua Mina en Zarzalejos, Madrid. El paso de Teatro La República por el Festival se saldó con un rotundo éxito, y prueba de ello es la nueva invitación que se ha cursado por parte del director del Festival José María Ontoria, a la compañía para volver a participar en el mismo para ediciones futuras

Con una extensa programación que se desarrolla desde el 1 de Julio hasta el 20 de agosto, el Festival se desarrolla en un mágico lugar que antaño fue una mina. Está situado en lo alto de una colina, rodeado de montañas y de un paisaje que impresiona y conmueve.IMG_9835

Esta antigua mina de finales del siglo XIX, está compuesta por varias edificaciones adyacentes que se han conservado a través del tiempo; incluyendo las casas que fueron viviendas de mineros, almacén y fragua.

La presencia de CIUDADANO YAGO, que el pasado 4 de Julio cumplió cuatro años en cartel, se debe a la ayuda que la Consejería de Cultura del Gobierno de Canarias, através del proyecto Canarias Crea, presta a las compañías de la tierra para que puedan mostrar el trabajo que se hace en las islas en el exterior.

 

Fotos del Festival de la Antigua Mina

 

Ciudadano Yago al IX Festival de Teatro y Música La Antigua Mina

Ciudadano Yago continúa su singladura por todo el territorio nacional. A punto de cumplir nuestro cuarto aniversario (Ciudadano Yago fue estrenado el 4 de Julio de 2013 en Ingenio), el próximo día 13 de Julio estaremos presentes en el afamado Festival de Teatro y Música de La Antigua Mina de Madrid, en lo que será su undécima edición, después de una ardua selección de compañías y grupos de diversos lugares del panorama nacional.

El Festival se desarrolla en un marco incomparable. En lo alto de una colina existe un lugar que mira al infinito, rodeado de montañas y de un paisaje que impresiona y conmueve: una antigua mina de finales del siglo XIX, con varias edificaciones adyacentes que se han conservado a través del tiempo; son casas que fueron viviendas de mineros, almacén y fragua. Mirando con un poco de imaginación, no es difícil ver a aquellos trabajadores vestidos con ropas desgastadas, con las caras llenas de polvo o el cansancio que arrastraban sus cuerpos al final de una jornada de trabajo. Tampoco es difícil adivinar cuántas historias guarda este lugar, cuántos momentos dichosos, cuántas emociones compartidas entre las personas que habitaban en esta mina.

El Festival de Teatro y Música de La Antigua Mina se ha convertido en uno de los enclaves más sugerentes del verano nacional para disfrutar de un amplio programa de obras clásicas. De la mano de un soñador como José María Ontoria, director del Festival, este espacio situado en la galería del Puerto de la Cruz Verde, muy cerca de Zarzalejo, a poca distancia de San Lorenzo de El Escorial y a unos 60 kilómetros de la capital, se ha convertido en un espacio de refencia teatral en los veranos de la comarca. “Ver aquí una obra clásica es único: rodeado de montañas, con un escenario de piedra en lo alto de una colina… Por la noche refresca y se está muy bien”, dice Ontoria.

Hoy, la antigua casa del guarda sirve como camerino, y la que fuera sala de máquinas se ha convertido en el escenario principal, hecho de majestuosa piedra.

Será la primera vez que Ciudadano Yago se presente fuera de un espacio teatral al uso.

Esta gira viene apoyada através de finaciación expresa del Gobierno de Canarias en el marco de su programa Canarias Crea

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Mesas Redondas en torno a “LAS RAÍCES CORTADAS”

El Miercoles 24 mayo tuvo lugar en la Sala Josefina de la Torre del Teatro Cuyás, la primera mesa redonda con motivo del estreno de LAS RAÍCES CORTADAS de Teatro La Republica, titulada ‘Victoria Kent y Clara Campoamor: el voto femenino en España’. Contó con la participación de la consejera de Igualdad del Cabildo de Gran Canaria, María Nebot, y las profesoras de las universidades de Las Palmas de Gran Canaria y de La Laguna Pilar Domínguez y María Eugenia Monzón.
La cita precede a la exhibición, viernes y sábado a las 20.30 horas en la Sala Insular de Teatro (SIT), de la obra del Premio Nacional de Literatura Dramática Jerónimo López Mozo ‘Las raíces cortadas’.
El jueves 25, a las 19.00 horas y también en la Sala Josefina de la Torre, tendrá lugar una segunda mesa redonda titulada ‘Jerónimo López Mozo: teatro y memoria’ que contará con la presencia tanto del prestigioso autor como del propio Nacho Cabrera.

(Pincha sobre la foto para ver el resto)

 

Cartel Raíces Cortadas

Oficialmente les hacemos llegar el cartel de nuestro nuevo espectáculo “Las Raíces Cortadas” del autor madrileño Jerónimo López Mozo. El maravilloso cartel es obra de Juany Rodríguez de la empresa Redshooting, donde se capta de manera limpia y sencilla el espíritu que envuelve el nuevo montaje de Teatro La República. Las Raíces Cortadas es la confrontación teatral de dos figuras históricas femeninas de la España de la II República Española y de la dictadura posterior. La lucha de dos mujeres por lograr la aprobación del voto femenino en un momento política y socialmente hostil. López Mozo ensaya con encuentro reales e imaginarios entre Victoria Kent y Clara Campoamor, dos mujeres progresistas y republicanas, que se confrontan entre sí por la aprobación del voto femenino. La implantación o no del sufragio para las mujeres, supuso un profundo y disputado debate en las Cortes Constituyentes de 1931. Por un lado, Victoria Kent defendía que para dar el voto a las mujeres, primero había que liberarlas de la dominación y autoridad del hombre. Y por otro, Clara Campoamor, respaldaba el derecho al voto de manera inminente, al margen de la formación o posición social de cada mujer. Pero la obra es también un debate interno de cada una de ellas consigo misma, donde nuestras protagonistas reflexionan sobre sus posturas, que reflejan una época y nos revelan aquella realidad tan presente hoy en día. Las unió su ideología, su lucha y su muerte en el exilio, a pesar de que ambas vivieron de muy distinta forma el proceso político y social de una España no tan lejana.

Mensaje del Día Mundial del Teatro 2017

Bueno , aquí estamos otra vez. Reunidos de nuevo en primavera, 55 años después de nuestra reunión fundacional, para celebrar el Día Mundial del Teatro. Un solo día, 24 horas, que comienzan de la mano del teatro NO y del Bunraku que pasan por la Ópera de Pekín y el Kathakali, brillando entre Grecia y Escandinavia, de Esquilo a Ibsen, de Sófocles a Strinberg, entre Inglaterra e Italia, de Sara Kane a Pirandello, y también Francia entre otros, donde nos encontramos, y donde París es la ciudad del mundo que atrae a más grupos de teatro internacional. En esas 24 horas podemos ir de Francia a Rusia, de Racine y Molière a Chejov, e incluso atravesar el Atlántico para acabar en un Campamento californiano, tentando a jóvenes a reinventar, quizás, el teatro.

De hecho, el teatro renace cada día de sus cenizas. No es sino una convención que hay que abolir incansablemente. Así es como sigue vivo. El teatro tiene una vida abundante que desafía el espacio y el tiempo, y las obras más contemporáneas se nutren de los siglos pasados, los repertorios más clásicos se hacen modernos cada vez que son subidos de nuevo a escena.

 El Día Mundial del Teatro no es pues, obviamente, un día cualquiera de nuestras vidas que deba ser tomado de forma banal. Hace revivir un inmenso espacio-tiempo y, para evocarlo, querría citar a un dramaturgo francés tan genial como discreto, Jean Tardieu: Hablando del espacio, se pregunta ‘cuál es el camino más largo para ir de un punto a otro.’ Sobre el tiempo, sugiere ‘medir, en décimas de segundo, el tiempo que se tarda en pronunciar la palabra ‘eternidad”. Sobre el espacio-tiempo, también dice: ‘Antes de dormir, fija tu mente en dos puntos del espacio, y calcula cuánto tiempo se tarda, en un sueño, en ir de uno a otro’.

Es la frase ‘en un sueño’ la que siempre me da vueltas en la cabeza. Pareciera que Jean Tardieu y Bob Wilson se hubieran encontrado. También podemos resumir nuestro Día Mundial del Teatro, citando las palabras de Samuel Beckett que hace decir a Winnie en su estilo expeditivo: ‘¡Oh, qué hermoso día habrá sido!’

Al pensar en este Mensaje que tengo el honor de que me hayan pedido que escriba, he recordado todos los sueños de estas escenas. Por eso puedo decir que no he venido a esta sala de la UNESCO yo sola. Todos los personajes que he interpretado en escena me acompañan. Personajes que parecieron irse cuando caía el telón, pero que han cavado una vida subterránea en mí, dispuestos a ayudar o destruir los personajes que les sucedieron. Fedra, Araminte, Orlando, Hedda Gabbler, Medea, Merteuil, Blanche Dubois… Me acompañan también todos los personajes que he adorado y aplaudido como espectadora. Y por eso es por lo que pertenezco al mundo. Soy griega, africana, siria, veneciana, rusa, brasileña, persa, romana, japonesa, marsellesa, neoyorkina, filipina, argentina, noruega, coreana, alemana, austriaca, inglesa, realmente del mundo entero. Esa es la auténtica globalización.

F3CEn 1964, con ocasión de este Día Mundial del Teatro, Laurence Olivier anunció que, tras más de un siglo de lucha, por fin se acababa de crear en Inglaterra un teatro nacional que él quiso transformar inmediatamente en un teatro internacional, al menos por su repertorio. El tenía muy claro que Shakespeare pertenecía al mundo.

 Me ha encantado saber que el primer Mensaje de estos Días Mundiales del Teatro, en 1962, se le confió a Jean Cocteau, por ser autor del libro ‘La vuelta al mundo en 80 días otra vez’. Yo he dado la vuelta al mundo de forma diferente. La he dado en 80 espectáculos u 80 películas. Incluyo aquí películas en las que no distingo entre hacer teatro o cine, que sorprende cada vez que lo digo pero es cierto, es como es. Ninguna diferencia.

 Al hablar aquí no soy yo. No soy una actriz. Soy solo uno de esos incontables personajes gracias a los cuales el teatro sigue existiendo. Es un poco nuestro deber. Y nuestra necesidad. Cómo expresarlo… Nosotros no hacemos que el teatro exista. Es gracias al teatro que nosotros existimos.

 El teatro es muy fuerte, resiste, sobrevive a todo, a las guerras, a las censuras, a la falta de dinero. Es suficiente con decir ‘la escena es un escenario vacío de un tiempo indeterminado’ y hacer entrar a un actor. O una actriz. ¿Qué va a hacer? ¿Qué va a decir? ¿Van a hablar? El público espera, se va a saber, ese público sin el que no existe el teatro, no lo olvidemos nunca. Una sola persona de público, es público. ¡Esperemos que no haya muchas sillas vacías! Salvo en la obra de Ionesco. Al final la Vieja dice: ‘Sí, sí, muramos en plena gloria… Muramos para entrar en la leyenda… Al menos tendremos nuestra calle.’

 El Día Mundial del Teatro existe desde hace ahora 55 años. En 55 años soy la octava mujer a la que se le pide pronunciar un mensaje, bueno, no sé si la palabra ‘mensaje’ es la adecuada. Mis predecesores (¡se impone el masculino!) hablaron del teatro de la imaginación, de libertad, del origen, evocaron la multiculturalidad, la belleza, las preguntas sin respuestas… En 2013, hace tan solo 4 años, Darío Fo dijo: ‘la única solución a la crisis, reside en la esperanza de una gran caza de brujas contra nosotros, especialmente contra los jóvenes que quieren aprender el arte del teatro: así surgirá una nueva diáspora de comediantes, que hará surgir de estas limitaciones unos beneficios inimaginables para una nueva representación.’ Beneficios inimaginables es una fórmula digna de aparecer en un programa político, ¿no? Como estoy en París poco antes de unas elecciones presidenciales, sugeriría a aquellos que pretenden gobernarnos, que estén atentos a los beneficios inimaginables aportados por el teatro. Y por supuesto, ¡nada de caza de brujas!

 El teatro para mí es el otro, el diálogo, la ausencia de odio. La amistad entre los pueblos. No sé ahora mismo qué significa exactamente, pero creo en la comunidad, en la amistad de los espectadores y los actores, en la unión de todos a los que reúne el teatro, los que lo escriben, los que lo traducen, los que lo explican, los que lo visten, los que lo decoran, los que lo interpretan, incluso, los que van. El teatro nos protege, nos acoge… Creo de veras que nos ama… tanto como le amamos.

 Recuerdo a un viejo director de la vieja escuela, que antes de que se levantara el telón, entre bambalinas, decía cada noche con voz firme: ‘¡Paso al teatro!’

 Estas serán mis últimas palabras. Gracias.

Isabelle Huppert

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Isabelle-HuppertIsabelle Huppert es una actriz francesa que estudió ruso en el Instituto Nacional de Lenguas y Civilizaciones Orientales junto con tomar clases de arte dramático en la Escuela de la calle Blanche y el Conservatorio Nacional de Arte Dramático.

Ha tenido una distinguida carrera en el teatro, tanto en Francia como internacionalmente. Ha trabajado bajo la dirección de Bob Wilson (Orlando de Virginia Woolf / Quartett de Heiner Muller), Peter Zadek (Medida por medida de William Shakespeare), Claude Régy (4.48 Psicosis de Sarah Kane, Joan en la hoguera de Claudel). También ha interpretado Medea de Eurípides, dirigida por Jacques Lassalle, en especial en el Festival de Aviñón; Hedda Gabler de Henrik Ibsen, dirigida por Eric Lacascade, y Un tranvía basado en la obra de Tennessee Williams, dirigida por Krzysztof Warlikowski presentada en el Teatro Odeón.

Además ha participado en Las criadas de Jean Genet, dirigida por Benedict Andrews en la Compañía de Teatro de Sydney y en el Festival del Lincoln Center de Nueva York; Las confesiones falsas de Marivaux, dirigida por Luc Bondy. Esta temporada, se ha presentado con Fedra (s) con Wajdi Mouawad, Sarah Kane y JM Coetzee, dirigida por Krzysztof Warlikowski.

Ha desarrollado una amplia carrera en el cine donde ha participado en numerosas películas y ha trabajado con importantes directores. Ha recibido variados reconocimientos entre los que se encuentran Mejor Promesa y dos veces Mejor Actriz en los premios de la Academia Británica de Cine y Televisión (BAFTA), Premio de Interpretación en el Festival de Cannes por Violette, el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia y en el Festival de Cine de Moscú para Madame Bovary.

Este 2017 se darán a conocer su cuarta película con Michael Haneke, Happy End, y un proyecto dirigido por Serge Bozon llamado La Señora Hyde. Ha participado en el Festival de Cannes como parte del jurado y fue su Presidente en la 62º edición. Su trayectoria fue reconocida en el Festival de Cine de Venecia con el León de Oro especial del Jurado. Isabelle Huppert es Oficial de la Orden Nacional de la Legión de Honor, Oficial de la Orden Nacional del Mérito y Comendador de la Orden de las Artes y las Letras.

Fotos de estreno Gulag

16602178_1441027629271648_7421274924488036398_oAquí dejamos un amplio reportaje fotográfico del estreno de Gulag.

Fotos Gulag

 

Éxito en el estreno de Gulag

16587071_1441026162605128_1956138014945052415_oFinalmente se estrenó Gulag el pasado 9 de Febrero en el Teatro Pérez Galdós de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria. Reseñamos una de la críticas que apareción en el diario Canarias 7 posteriormente. Fue el 11 de Febrero y la firmaba Victoriano S. Alamo.

Gracias a cuantos llenaron el coso capitalino y que nos arroparon con sus largas ovaciones….

Dimitri Shostakovich era consciente, como casi todos los habitantes de la extinta URSS, de que había llegado el final si una madrugada aporreaban la puerta de su casa. Por este motivo, el compositor ruso, que forma parte de la historia de la música por derecho propio, dormìa vestido y con una maleta con lo imprescindible al lado de la cama. Incluso, tal y como narra en la estupenda novela El ruido del tiempo, el británico Julian Barnes, a veces se pasaba toda la madrugada junto al ascensor esperando a que llegase a buscarlo la temida policía secreta estalinista. Si así era el día a día de una «gloria nacional» soviética, resulta difícil de asumir lo que vivió el resto de la población durante aquellas décadas de terror estatal. Se sabía que a los detenidos, salvo en excepciones muy puntuales, lo que les esperaba tras la detención eran sesiones de tortura, una ejecución sumaria o unos largos y penosos años en los temibles gulag. Allí, en campos de trabajo y exterminio, el sufrimiento superaba cualquier límite imaginable para una persona cuerda.

16665371_1441027379271673_1612800642971973456_oShostakovich, como otros creadores soviéticos, sobrevivieron durante años bajo este terrible yugo. Conscientes de que una nueva creación, que los censores considerasen que no seguía los principios impuestos por el Estado a base de sangre y fuego, tendría unas consecuencias terribles.

«Censurar no es matar», explica el militar de alto rango Zhdanov, en un pasaje del montaje Gulag. Una reflexión que abre una de las vías que, con inteligencia, explora este montaje con el que el teatro Pérez Galdós ha puesto en marcha su ciclo La música como literatura. Muchos artistas no perdieron la vida, pero sí la libertad creativa. Y cuando, como le ocurría a Shostakovich, la música dotaba de sentido su existencia, estamos hablando de una situación peliaguda. Estos creadores se transformaban así en muertos en vida, tanto artística como físicamente.

Este complejo universo es el que retrata con brillantez el montaje escrito y dirigido por el ingeniense Nacho Cabrera. Se sustenta, por un lado, en la propia música de Shostakovich. Le acompaña la mencionada novela de Julian Barnes y la tercera pata la asume el texto Cartas de amor a Stalin, del dramaturgo Juan Mayorga.

img_4652El resultado es un espectáculo muy poco usual y denso, que se desarrolla durante casi 90 minutos con una puesta en escena elegante y muy eficaz. Sobre el escenario, la interpretación musical corrió a cargo de un cuarteto de cuerda y un pianista. El quinteto de músicos canarios estuvo brillante, a pesar que la carga escénica que les exige Gulag, lo que hizo que, durante los primeros instantes, se les viera algo dubitativos y tensos. Después cogieron vuelo, junto al actor Miguel Ángel Maciel, narrador y protagonista casi absoluto de la obra.

Las dos siguientes entregas del ciclo son Free Bach 212 y Satie. Monólogo musical para dos pia- nos mudos.

Canarias 7. (11.2.2017)

Rueda de Prensa GULAG

xqmzyzvei7wc8vu8Hoy ha tenido lugar la rueda de prensa en el Teatro Pérez Galdós que acogerá los estrenos absolutos de Gulag y Satie: Monólogo musical para dos pianos mudos, obras que, junto al espectáculo Free Bach 212, y que se enmarcan en el ciclo Música y Literatura. Un proyecto de la Fundación Auditorio y Teatro, que nace con vocación de continuidad y que supone una decidida apuesta por la creación y producción cultural auspiciada desde la propia institución, otorgando protagonismo a los músicos y literatos isleños, sin descartar las grandes producciones nacionales e internacionales

Gulag se estrenará el próximo día 9 de Febrero y a modo de sinopsis podemos destacar que todo gira entorno a un trio artístico: Shostakovich-Barnes-Mayorga. Tres ópticas distintas para hablar de la represión y la censura. Como punto de partida, el imaginario del imperio soviético y su papel con los artistas. Como destino, el ahora, donde también la censura sigue haciendo estragos entre la cultura, a pesar del disfraz de democracia que la adorna.

Gulag es un encuentro con la música de Shostakovich, uno de los compositores imprescindibles de la cultura soviética del siglo XX, y especialmente con una parte de sus experiencias durante la etapa del estalinismo.

Nuestro Gulag pasa por el sometimiento del compositor a los postulados del realismo socialista, así como ese coqueteo entre arte y poder, objeto central del libro El ruido del tiempo de Julian Barnes.

Y finalmente nuestra obra toma cuerpo al acercarnos a una de las obras fundamentales del teatro español contemporáneo, Cartas de amor a Stalin de Juan Mayorga. Mayorga pone de manifiesto la teoría “del palo y la zanahoria” en el caso de dramaturgo Mikhail Bulgakov, al que sus mofas al régimen le valdrían años de ostracismo y una llamada personal del propio Stalin.

nacho_cabrera_tilman_kuttenkeuler_encarna_galvan_alesix_ravelo_y_manuel_benitez1Y desde estos distintos campos artísticos, nos acercamos a la circunstancia de un hombre que convivió con la incertidumbre y el miedo, sometiendo por momentos su universo creativo, a la eterna llamada del KGB a su puerta.

La distancia y el tiempo nos ha permitido escuchar y disfrutar la obra de Shostakovich con mas conciencia y menos prejuicios, al margen de ciertas intransigencias.

Pero la censura es un mal inherente a la propia obra creativa. La mordaza a la que se ven sometidos los artistas hoy en día, se revela manera nítida desde que denunciamos praxis concretas, mostramos los privilegios de los poderosos, o irritamos a moralistas electores.

La reprobación artística nos oscurece en televisiones y teatros, en la prensa y las carteleras de la ciudad, en programaciones de auditorios de primer nivel y en casas de la cultura de barrio, bajo un lluvia de disculpas de todo pelaje.

Nunca hemos dejado de estar imposibilitados artísticamente, también desde las herramientas modernas que celan su existencia bajo el cariz democrático de “libertad de expresión”, donde poderosos lobbies controlan nuestros movimientos.

La obra central de Gulag es el Quinteto para piano y cuerda en sol menor de Shostakovich, una obra de inigualable belleza, que destaca por su fuerza expositiva. Su estreno fue un absoluto éxito.